Romería – Carla Simón

 

Avui hem vist ‘Romería’ – Carla Simón (2025) a la sessió matinal dels Cinemes Verdi de Barcelona. A mi no m’ha agradat gens, si vostè pensa el contrari me n’alegro molt perquè jo portava les mateixes expectatives però no m’ha seduït en cap moment, què hi farem...

A partir d’aquí, d’aquesta escena que il·lustra el post, tot s’esfondra i no torna a reflotar. Una pena perquè la directora em cau molt bé a nivell personal i les altres dues pel·lícules anteriors (‘Estiu 1993’ i ‘Alcarràs’) que complementen la trilogia amb que vol explorar i rememorar les arrels de la seva historia particular em semblen força bones en diferents aspectes tècnics i d’interpretació per esmentar algunes de les seves virtuts que aquí he trobat a faltar. Doncs això, què hi farem...

Verónica Echegui (1983-2025)

 

Rescato aquí abajo a golpe de click una especie de reseña cinéfila que escribí en los inicios de este humilde blog, allá por 2009, en su memoria. Siempre serás la Juani… y todo lo que lograste después. Descansa en paz, Vero.

La rosa púrpura del barrio

Damage

 

"Recuérdalo: la gente herida es peligrosa, sabe que puede sobrevivir".  Anna Barton (Juliette Binoche)

· Herida - Louis Malle (1992) ·

Roy Batty

 Tal día como hoy del año 82 del siglo pasado se estrenó en cines Blade Runner, han pasado 43 años y me sigo manteniendo en mis 13: pocas películas en la historia del cine me han hecho gozar tanto en todos los sentidos como esta joya del 7º arte. Poco más que añadir, ya he hablado/escrito/largado en este blog en diversas ocasiones: sobre la fotografía, la BSO, la dirección, el casting actoral, el guion, el vestuario, la peluquería… y todo aquello que uno descubre en nuevos visionados, es que lo tiene todo. Si no recuerdo mal, hace tiempo que dejé de contarlas, pero creo que la he visto 23 veces. (Pedazo friki, nen, con tanta letra y número y eso que aún me dejo el modelo del replicante: Nexus-6).

Dejo esta foto de Rutger Hauer en una pausa del rodaje que siempre me ha gustado mucho (pueden ampliarla clicando sobre la imagen), creo que el autor no está acreditado y como en todo lo referente a esta peli, si te pones a investigar te puedes perder en mil y una opiniones, igual el flash lo disparó un extra que simplemente estaba fumándose un cigarrito bajo la lluvia ácida de Los Ángeles 2.019…

A Complete Unknown – James Mangold (2024)

 

Poco se habla de lo rotundamente reconciliado con el ARTE en mayúsculas que se queda uno cuando sale de una sala de cine después de haber gozado de una MASTERPIECE como esta.

Dylan lo que Dylan, Bob is God.

L'abella reina

 

Ahir, encara que una mica tard, vam veure aquesta petita joia de peli a 3Cat. Molt recomanable si encara no la heu vist. Sempre en V.O. of course!

20.000 espècies d'abelles

Estibaliz Urresola Solaguren (2023)

Gallo rojo, gallo negro

 

Ayer vimos “El 47” (Marcel Barrena, 2024). Basada en hechos reales acaecidos en aquella Barcelona contracultural de los años 70 del siglo pasado que ya solo parece habitar en el olvido ha conseguido tocarme la fibra como hijo del extrarradio barcelonés. Sin ser una película redonda, alguna laguna en el guion, me parece muy recomendable para interesados en temas sociales por la fidelidad en el retrato o recreación de aquella época en que las asociaciones vecinales consiguieron tantas y tantas cosas a base de lucha y cohesión humana, algo que a día de hoy, en que a duras penas llegas a conocer al vecino de rellano, parece poco menos que imposible. Con un reparto ajustado, enorme una vez más Eduard Fernández con olor a Goya, y un metraje algo escaso (el salto temporal queda cojo desde aquel 1958 en que arranca la película, algunas imágenes antiguas metidas con calzador, hasta 1978 cuando acaba desarrollándose el zenit argumental), la película se sostiene muy dignamente a través del trabajo conjunto de todo el equipo.

Rescato de la BSO su canción principal, “El borde del mundo” interpretada por la artista canaria Valeria Castro, que pueden escuchar/ver junto al tráiler de la peli: AQUÍ

Poor Things - Yorgos Lanthimos

 

Vista “Pobres Criaturas” de Yorgos Lanthimos. Me ha parecido un bluff considerable, a pesar de la buena idea de partida (el libro homónimo de Alasdair Gray publicado por Anagrama que no he leído). El abuso del ojo de pez con la cámara, el sinsentido del cambio brusco entre el B/N y el color pastel tirando a pastelazo, esos decorados excesivos creados por la puta IA desvirtuando la majestuosidad de ciudades como Londres, París, Lisboa o Alejandría, además de añadirles un toque futurista a lo Moebius pero de tercera división. Lo gótico victoriano reducido a una pretendida modernidad que chirría en cada escena. Esa BSO tan lamentable. En fin, tan pretenciosa como fallida en casi toda su propuesta. Las 11 nominaciones a los Óscar me parecen una tomadura de pelo. I’m sorry pero Emma Stone (también productora del artefacto) me ha dejado frío en un papel que lo tenía todo para ponérsela morcillona al personal. ¾ de lo mismo para la interpretación de Mark Ruffalo, graciosillo de ½ pelo. Ambos nominados a la estatuilla de marras…

Lo mejor: Willem Dafoe, salvando la papeleta una vez más… y, supongo, que poniendo el cazo para cobrar por la faena.

Lo peor: Entre sus desmesurados excesos también el de metraje, le sobra como mínimo ½ hora de relleno (el viaje en barco, mismamente). En la VOSE en inglés se olvidaron de subtitular los diálogos en francés y portugués, lamentable.

Imagen: Fotograma de la película que me gusta especialmente.

Perfect Days – Wim Wenders

 

Hirayama curra en uno de esos trabajos que alguien tiene que hacer: limpiador de baños públicos en Tokio, la gran metrópolis por excelencia del mundo moderno y paradigma de lo que el ser humano es capaz de construir a la hora de convivir en sociedad. Es un tipo reservado y metódico −apenas habla− y culto −le flipa la música, los libros, la fotografía y los árboles−, que vive de modo austero en su pequeño apartamento desde donde va arrancando hojas al calendario vital mientras el mundo sigue girando ahí fuera. Con esta sencilla premisa Wenders nos introduce, a través de una radiografía precisa del día a día de su protagonista, en una exquisita historia, sumamente humana, demasiado humana que diría Nietzsche.

Confirmado el regreso por la puerta grande de Wim Wenders a ese cine de autor minimalista que tanto echábamos de menos (“Paris, Texas”, “El cielo sobre Berlín”), y lo hace con esta película japonesa, un país que el alemán conoce a la perfección, algo que percibimos en cada plano secuencia de la proyección. En esta casa, tan cinéfila otrora y cada vez menos ahora, ha sido un verdadero placer asistir al visionado en pantalla grande de este estreno, el primero de 2024 y poder adjudicarle las incuestionables cinco estrellas para guardarlas ya en la carte(le)ra de la memoria. Touché, que dirían los franceses.

Poco más que añadir salvo quizá mencionar la soberbia interpretación de Kōji Yakusho dando vida a ese inolvidable personaje de Hirayama bien arropado por los pocos, pero ajustados secundarios que orbitan en su pequeño gran mundo de protagonista principal y, por supuesto, la excelsa B.S.O., Wenders siempre supo tratar con mimo la música. Competirá por los Putos Óscar 2024 representado al país del sol naciente, ojalá lo gane porque seguro que la meterán rápido en esas plataformas cinéfilas que ahora gasta la peña −yo no, rarezas mías que tienen muchos puntos de conexión con Hirayama− y así podrá disfrutarla mucha más gente… porque, créanme, el mundo puede ser un lugar infinitamente mejor que este que tenemos ahora. Definitivamente, sí.

Nota: Estoy empezando a ver como críticos sesudos/tocapelotas dicen no entender los sueños de Hirayama, a todos ellos: háganse el favor de leer ‘El elogio de la sombra’ de Junichiro Tanizaki, un pequeño gran ensayo de 80 páginas escrito en 1933, Wenders lo hizo… y yo también. Asimismo, quédense hasta el final de los títulos de crédito, serán recompensados con una pequeñita sorpresa complementaria.

Perfect Days – Wim Wenders (2023)

Fecha estreno: 12 de enero de 2024

1997: rescate en Nueva York

 

Pues acabo de visionar esta joyita distópica de la ciencia ficción que por circunstancias de la vida no había visto hasta hoy. Rodada en 1981 por John Carpenter, sospecho que en pleno estado lisérgico a tenor de lo propuesto en esos frenéticos 99 minutos de metraje, la película resulta ser una delirante delicia visual además de poseer otros atributos destacables como el guion o la BSO también firmados ambos por el propio director, rollo crack multiusos. La cosa le salió bien: la rodó en tres meses (se notan las prisas en algunos errores inexplicables que le vamos a perdonar), costó 7 millones de pavos y recaudó 50 millones de dólares de los que no duelen. Grandes bisnes, nen.
El argumento es una gamberrada monumental, intentaré ser breve. Manhattan se ha convertido en una gran prisión para todos los maleantes de EE.UU (imagínense la peña encerrada que pulula por las calles), rodeada de altos muros que la aíslan del resto del país y vigilada por policía y militares. Resulta que un día sobrevolando Nueva York cae el Air Force One con el presidente dentro camino de una importante cumbre internacional, pues nada los reos lo pillan y negocian su entrega a cambio de su libertad, la de todos ellos, claro. Para rescatarlo contratan al tipo duro de turno y tiene 24 horas para sacarlo vivito y coleando. ¿Flipa, eh?
El casting de campanillas: el musculitos es Kurt Rusell (un soldado de la 3ª Guerra Mundial al que le clavan un cuchillo en la pierna al principio y el tío aguanta toda la peli como un campeón, si hay que subir el Empire State a pie porque no va el ascensor no pasa ná, con dos cojones el muy cabrón). El presi es el gran Donald Pleasance (este tío es capaz de interpretar lo que le pongan). El alcaide de la gran manzana prisión es el mismísimo Lee Van Cleef (la cara de malo que siempre ha tenido el muy cabrón). Y luego ya te salen unos secundarios memorables como Harry Dean Stanton (al que llaman Cerebro porque vive en la gran Biblioteca Nacional con su churri y siempre está leyendo…) y otro de los grandes de siempre: Ernest Borgine (que conduce el típico taxi amarillo de la city y conoce a toda la troupe…).
Buf! Quería un post cortito y al pie como la peli pero quizás me estoy enrollando demasiado, bueno así se queda. Recomendada para palomiteros nostálgicos o amantes del cine de acción basura Made in Siglo XXI y para porreros con pedigrí cinéfilo con ganas de echarse un buen rato de risas… y de pensamientos serios −especialmente políticos− también.

Escape from New York – John Carpenter (1981)

Bonus Track/Reseña Recomendada: AQUÍ

Sera

 

Leyendo el tramo final de Leaving Las Vegas, la excelente novela de John O’Brien en la que se inspiró la película dirigida por Mike Figgis en 1995, me ha venido a la memoria la soberbia interpretación de Elisabeth Shue, aquella, por entonces, semidesconocida actriz que dio vida al personaje de Sera (su partenaire fue un también inspiradísimo Nicolas Cage, un actor irregular que aquí se marcó el mejor papel que le recuerdo en pantalla). Pues bien, recuerdo perfectamente aquel año de grandes películas y la batalla por el Óscar a la mejor interpretación femenina, y es que por aquel entonces un servidor aún lucía galones de cinéfilo de los que iban a perderse/encontrarse a las salas oscuras con una frecuencia de 2/3 veces por semana.

Aquel año de 1995 las finalistas al Óscar, además de Elisabeth Shue que era mi favorita después de haber visto/analizado las cinco interpretaciones nominadas, eran nada más ni nada menos que Susan Sarandon (Pena de muerte), Sharon Stone (Casino), Meryl Streep (Los puentes de Madison) y Emma Thompson (Sentido y sensibilidad); supongo que pocas veces hemos visto un quinteto de tanta calidad y que cualquiera de ellas pudo merecerlo pero el recuerdo sobre mi favorita es este que aquí expongo -aquella rabia que me dio no verla ganar-, y que ahora me ha traído al pensamiento la lectura de la novela de O’Brien y la recreación original del personaje de Sera; para desmemoriados digamos que la estatuilla fue a parar a manos de Susan Sarandon… y el de interpretación masculina para Nicolas Cage.

Nota: La novela de John O’Brien, etiqueta negra de culto, acabó siendo su testamento literario ya que se voló la cabeza con tan solo 33 años, meses antes de estrenarse la película, al enterarse de que su obra iba ser adaptada al cine y de que él no iba a ser el guionista, tarea que acabó ejecutando el propio director: Mike Figgis.

Il grande silenzio – Sergio Corbucci (1968)

 

Acostumbrados, como estamos, a situar las películas del Oeste en lugares desérticos y polvorientos aquí Corbucci coloca la acción en un paisaje nevado y extremadamente frío, en principio Utah… y si Almería no vale pues rodamos en las Dolomitas italianas como fue el caso.

Dos protagonistas principales tan alejados del género como Jean-Louis Trigtignant (‘Silencio’) y Klaus Kinski (‘Loco’) en estado de gracia interpretativa e implicados en una trama fascinante que les invito a investigar por ustedes mismos si no han visto la película, una de las cumbres del mal llamado ‘subgénero’ del spaguetti western. Género se escribe con mayúsculas.

A lo que iba, la BSO original es obra del insuperable Ennio Morricone y este tema en particular me parece sencillamente maravilloso. Clicken en el enlace final de este breve post si les apetece escuchar cuatro minutos de épica crepuscular… o, en caso contrario, hiélense en el infierno.

Invito All Amore

Django & Django

 

Ayer pude ver este impresionante documental dirigido por Luca Rea en 2021. Lo pasaron en Betevé, televisión pública y gratuita de Barcelona y extrarradio, investigando al respecto observo que para aquellos de ustedes que tiren de plataformas de pago (aquí no gastamos de eso) lo tienen disponible en Netflix y supongo que en alguna otra más...

Se trata de un trabajo de escasos 80 minutos, de culto desde ya para un servidor, donde gentuza de la calaña de Quentin Tarantino, Franco Nero o Ruggero Deodato, entre otros, analizan la figura del director italiano Sergio Corbucci, autor de algunos de los mejores spaguetti westerns de la historia del cine (El gran silencio, Salario para matar, Navajo Joe, Los especialistas, Django, Minnesota Clay…) y siempre a la sombra del otro Sergio, el Leone, amigos para siempre, por cierto.

Impresionante labor de documentación con multitud de imágenes, entrevistas, escenas y todo tipo de material cinematográfico excelentemente montado para la ocasión. Muy recomendable para los amantes del western en general (también se dan algunas pinceladas al salvaje oeste americano) y para todos aquellos que lo gocen sobremanera con el retrato de una época en particular, aquí la Italia que monta a caballo entre los años 60/70 del siglo pasado.

El documental es muy bueno, el cartel es muy feo y el cine de hoy en día... es muy malo.

Alcarràs – Carla Simón (2022)

Ayer volvimos al cine para ver esta maravillosa película, ganadora del Oso de Oro en el pasado Festival de Berlín 2022, y despierto con la intención de escribir una reseña donde sea capaz de plasmar mis impresiones al respecto. Buscando refrescar algunos datos, básicamente sobre los nombres del impresionante reparto de actores no profesionales de un casting pluscuamperfecto, topo con esta reseña que viene a poner orden al hervidero de sensaciones que bullía en mi cabeza hasta hace tan solo unos minutos.

Si están interesados en verla les invito a leerla, me parece una crítica magnífica, donde sin contarnos nada (recomiendo que entren vírgenes en los 120 minutos de metraje) podrán tomar nota mental sobre una serie de datos complementarios con los que tras su visionado serán capaces de tejer el verdadero significado de la propuesta de la directora. A modo de Bonus Track (por cierto, tremendas tanto la fotografía como la B.S.O. de la película) este enlace incluye un breve tráiler para que vayan haciéndose una idea de por dónde sopla el viento.

 Crítica de Sergi Sánchez para la revista FOTOGRAMAS

En mil pedazos de espuma

Ahora que parece ser que ya no está de moda el dogma, esa palabreja tan difícil de describir en su significado real, bueno sería recordar esta película del genial director danés Lars Von Trier, una historia sobre el horror de la soledad a que se ven abocadas personas que se atreven a romper moldes preestablecidos por sociedades conservadoras y adoctrinadas en caducos pensamientos anclados en la memoria universal. Retales de vida remendados por la mano nerviosa de Lars, que mece la cuna fantasmal de la conciencia humana mostrándonos el ambiente de los años 70 en una remota comunidad, siniestramente religiosa, de las Islas Hébridas (Escocia), trozos flotantes de tierra salvaje y escarpada, erosionada por la caricia de mil lluvias perdidas y el azote del implacable viento redentor, la ira de dios bañada en sus húmedos parajes, secada a la intemperie de la incomprensión. Bess (inmensa Emily Watson), jovencita pelirroja de ojos de caramelo que hablan sin palabras, infantil hada de sueños mutilados por los designios del destino, inocente criatura celestial abandonada a su suerte por algún dios borracho y apátrida de la mitología celta, carne sonrosada puesta en adobo de la vergüenza ajena, gorrito de lana y manos de porcelana protegidas en las empuñadoras estiradas del jersey dos tallas mayor; Bess-ame mucho y báñate esta noche en los delirios de la carne, como si fuera… la primera vez. Jan (ajustadísimo Stellan Skarsgard), infortunio perdido en tierra de nadie atado a las necesidades de la vida laboral, tic-tac de relojes de sal balanceados en las furiosas aguas del Mar del Norte, oro negro resbalando por los herrajes de sucias plataformas petrolíferas, musgo azabache que mancha los rubios cabellos de la dorada ilusión ficticia… si quieres llegar a mí tendrás que darte a los demás y después hacérmelo saber, tendrás que aprender a contar cuentos, relatos reales que conquisten mis neuronas. La particular relación entre estos dos personajes configura un microcosmos único en las ya de por sí complicadas relaciones humanas, el amor extremo llevado a sus últimas consecuencias, a contracorriente y pese a quien pese, lo asombrosamente extraño de la conducta de Bess, tan humana que duele sostenerle la mirada, nos da a entender que nada es imposible cuando se trata de llegar al fondo del pensamiento de la persona a la que amamos, la chica creyente de ideas encorsetadas se transforma en mártir, santificada por la diosa sexualidad reprimida y deprimida de todas aquellas personas que osan cruzarse en su camino de rosas con espinas, la puta del pueblo, el escarnio de los tiempos modernos, el coño mojado en fluidos rosas, pezones que apuntan al delirio universal, rayito de sol que resquebraja nubes despistadas, el viento que nos trae la respuesta, la imaginación que alienta el retorcido subconsciente del postrado Jan, el milagro en ciernes, el deseo de existir. Esta es una película difícil, una roca de afiladas aristas en la que aún puedes intentar moldear tu propia razón, o despeñarte contra ella desde el abismo de la incomunicación, pero merece la pena ponerse a prueba, atreverse a subir al barco oscuro donde los inquisidores de la moral, capitaneados por la diabólica mente del personaje interpretado por Udo Kier, actor fetiche en las cintas de Von Trier, esperan ávidos unas onzas de carne fresca para poner en funcionamiento la máquina amoral de los valores establecidos por democracias basadas en el poder de los más fuertes, que me temo siguen siendo los hombres, solo los tocados con el "don especial" de la virilidad masculina podrán degustar la barbacoa afeminada... y cansada de postular por la igualdad. Pienso en una de las inolvidables escenas de esta historia y me pongo a temblar; bajo la incesante lluvia los ancianos del pueblo visitan el cementerio, pisotean las tumbas de las mujeres, escupen y maldicen a todas ellas “por ser la causa de todas las desdichas del hombre en tan remoto paraje…”. Extrañas costumbres, rara especie la nuestra, que no aprende a vivir sin destrozar a los demás, ni siquiera a sobrevivir.-

Once Upon a Time in Hollywood

Tres consejos para visionar la penúltima MASTERPIECE de Tarantino:

1.- V.O.S. of course!

2.- No dejen que nadie les cuente nada…

3.- Permanezcan en la sala hasta el último título de crédito.

Dos actrices, 6 películas

Ayer, tomando unas cervecitas en una terracita, conversación cinéfila, la pregunta que me hicieron: ¿Dos actrices actuales y algunas de sus películas recomendables? Pienso un rato, disparo. He visto unas cuantas más de ambas, algunas perfectamente prescindibles, curiosamente me falta “The Other Boleyn Girl” la única (que yo sepa) en que trabajaron juntas. El cine ya no es lo que era, de hecho salvo excepciones, veo pocas películas contemporáneas y sigo rescatando clásicos (TCM mola mucho), las 6 películas de ambas que cito, todas ellas buenísimas en mi opinión, se engloban en el periodo (1994-2005)… o sea que si ya estamos en 2018 eso representa 13 años sin superar el listón. Hum!

Natalie Portman (9 de junio de 1981). Películas destacadas: “Leon: El Profesional” (1994), “Beautiful Girls” (1996), “Closer” (2004).

Scarlett Johansson (22 de noviembre de 1984). Películas destacadas: “Ghost World” (2001), “Lost in Translation” (2003), “Match Point” (2005).

Como gran admirador de la belleza femenina en sus múltiples e inagotables formas (aunque, lógicamente, una gran actriz no tiene por qué ser necesariamente bella), estas dos mujeres, cada una a su manera, me parecen realmente hermosas. Sí, también salió a debate esto…

Replicantes de postal postmoderna

Pues ayer fuimos a ver “Blade Runner 2049”, la continuación que nunca debió rodarse de la mítica “Blade Runner” dirigida por Ridley Scott en 1982, una de las grandes cumbres de la Historia del Cine de todos los tiempos para el que esto escribe; aunque a pesar de todos los pesares que, me temo, siempre colgarán sobre esta secuela moderna me parece de justicia comentar que la cinta de Villenueve entretiene que no es poco para los infaustos tiempos creativos que se ciernen sobre el 7º arte en la actualidad de nuestro año 2017.

Y poco más que añadir de una película en la que sería muy fácil caer en el spoiler barato a la hora de intentar resumir y/o analizar su argumento, que no es poco no se crean, decir que no le llega ni a la suela de las botas a la original era algo que uno ya tenía muy asumido, sin embargo hay que valorar en su justa medida el ejercicio de entretenimiento (demasiado estirado en su tercio final, va de más a menos claramente, y ese es el mayor lastre con el que tendrá que acarrear en mi opinión) con el que todo el equipo de la película intenta rozar la posteridad del original desde un prisma de vista distinto con puntitos de efecto especial que acaban creando desafectos en el espectador más exigente pero que, a su vez, acercará a mucha gente joven que visione este Los Angeles 2049 hasta aquel L.A. 2019 que fue la Madre de todas las Madres del noir fiction. Derecho a réplica, siempre por supuesto, pero queda claro que sin evolución no hay camino hacia la posteridad.-

Lo mejor: Robin Wright (Teniente Joshi) y Sylvia Hoeks (Luv). Los espectaculares primeros 45 minutos aprox.

Lo peor: Harrison Ford (Rick Deckard nunca habría aceptado este papel…). La lamentable BSO a años luz de la original de Vangelis.

Valoración Personal: 2 estrellitas sobre 5

30 monedas de plata

-         Harmónica: La recompensa por este hombre son 5.000 dólares, ¿no?

-         Cheyenne: Judas se conformó con 4.970 dólares menos.

-         Harmónica: No había dólares en aquella época.

-         Cheyenne: Pero sí hijos de puta.

El otro día volví a ver “Hasta que llegó su hora” – Sergio Leone (1968), no hay nada como rescatar un viejo western de aquellos inmortales para darse cuenta de que, a pesar de lo que cantara Dylan es su momento, los tiempos no han cambiado demasiado o, al menos, no tanto como deberían haberlo hecho…

David Bowie: Los últimos cinco años – Francis Whately

Un documental musical sobre, entre otras cosas –excepcional material audiovisual que cubre gran parte de su trayectoria anterior a este último quinquenio-; los últimos dos discos del Maestro Bowie: “The next day” (2013) y “Blackstar” (2016) así como la realización del musical de Broadway “Lazarus”. Masterpiece, you know!

Me pongo este imprescindible BONUS en el post.-